Мы часто не можем понять, почему то или иное произведение становится шедевром, но не замечать их гениальности тоже нельзя. Они меняют представление об искусстве, о них говорит весь мир, музеи гордятся, что эти полотна есть в их коллекции. Разобраться, как и почему эти картины превращаются в венец творения, и составить подборку выдающихся произведений изобразительного искусства нам помогли эксперты интернет-магазина Continuum Art.
«Банка супа» Энди Уорхола
Вы могли никогда не пробовать суп компании «Кэмпбелл» из банки, но о работе Энди Уорхола «Банка супа» точно слышали. Кстати, это было не единственное изображение банки, которое сделал художник – всего он написал 32 полотна, на каждом из которых была изображена одна из разновидностей супов американского производителя.
Почему «Банка супа» вызвала фурор? Представьте себе: Лос-Анджелес, 1962 год, в мире американского искусства господствует абстрактный экспрессионизм. И тут нас сцену выходит коммерческий художник, который до этого рисовал рекламные плакаты (надо признать, довольно успешно). Что он может представить публике? Коммерциализм и никаких эмоций? Именно этот контраст с популярным на тот момент экспрессионизмом стал поводом для многочисленных дебатов. А где есть бурные обсуждения и критика, там есть интерес общественности. И нет, Уорхол был не единственным, кто работал тогда в технике поп-арта, но именно его экспозиция 1962 года ознаменовала дебют этого направления на западном побережье США. А «Банка супа» стала не просто протестом против живописи действия, но перевела изобразительное искусство в новое пространство.
«Черный квадрат» Казимира Малевича
Вряд ли вы найдете более известную, узнаваемую и значимую картину, чем «Черный квадрат» Малевича. Это тот случай, когда живописец сознательно отказывается от изображения в принципе и создает тотально абстрактную работу. Здесь нет ничего, кроме формы и цвета, они являются главными героями и становятся темой обсуждения чистого творчества, где нет места ни сюжетам, ни предметам. Казимир Малевич называл «Черный квадрат» иконой, а в мире искусства произведение стало манифестом супрематизма.
«Черным квадратом» Малевич разделил искусство вчерашнего дня с принципиальной новизной открытия, обозначил конец традиционному предметному мышлению. Картина стала «нулем форм», с которого начинается абсолют и беспредметное творчество.
«Авиньонские девицы» Пабло Пикассо
Как и хорошему вину, изобразительному искусству важна выдержка. Так случилось и с «Авиньонскими девицами» Пабло Пикассо, которые впервые попали на выставку только в 1937 году – спустя 30 лет после написания.
Появившееся в 1907 году, это полотно положило начало кубическому периоду испанского художника. Интересно, что пять женщин, изображенных на картине, написаны в разной манере. Розово-охристые тона трех из них говорят о двух периода творчества Пикассо – «голубом» (с 1901 по 1904 годы) и «розовом» (с 1904 по 1907). Именно в «розовом» периоде Пикассо начал эксперименты со стилем и писал, основываясь не на наблюдения, а на интуицию. Лица двух других героинь картины напоминают африканские маски и дают начало кубизму – новому течению живописи.
«Авиньонские девицы» не просто ознаменовали новый этап в творчестве Пикассо, но разрушили привычное понимание красоты женского тела и изображения в целом. После этого полотна реальность перестала быть основой изображения окружающего мира. «Авиньонские девицы» привлекли внимание французских художников. Под впечатлением от этой картины создавали свои шедевры, например, Жорж Барак, Робер Делоне и Андре Дерен.
«Завтрак на траве» Эдуарда Мане
Основой «Завтрака на траве» стали сразу несколько произведений – картина Джорджоне «Сельский концерт» и фрагмент гравюры «Суд Париса» по рисунку Рафаэля. От всего, что видело французское изобразительное искусство раньше, это произведение отличает резкая фотографичность. Никаких вам полутонов – только неприкрытые мазки (из-за которых «Завтрака на траве» может показаться неоконченным) и неприкрытая же человеческая натура. При этом обнаженные тела не напоминают те мягкие и безупречные фигуры, которые было принято изображать в XIX веке. Воспринятое как пощечина хорошему вкусу, полотно дало повод публике и критике обвинить Эдуарда Мане в неумении рисовать и даже в сумасшествии. На защиту художника встали разве что его близкие друзья Шарль Бодлер и Эмиль Золя.
Кстати, изначально «Завтрак на траве» предназначался для Парижского салона, но жюри не допустило его к выставке. Справедливости ради, стоит сказать, что строгий отбор не прошли еще тысячи картин – их выставили на так называемом Салоне отверженных.
«Ночной дозор» Рембрандта
Когда Стрелковое общество Нидерландов решило украсить штаб-квартиру изображением своих рот, они заказали групповой портрет у Рембрандта. Отряд гражданского ополчения заплатил художнику 1600 флоринов, но то, что они получили в результате, их, мягко говоря, не устроило. С одной стороны, их можно понять. Ведь Рембрандт решил поэкспериментировать, отказался от прорисовки деталей, писал прерывистыми мазками, а на картине, кроме мушкетеров, были изображены еще 16-ю никому неизвестных персонажами.
Построенный на резком контрасте света и тени, «Ночной дозор» получил эмоциональную напряженность и динамичность – кажется, даже одежды здесь двигаются. Хотя манера письма оказалась неприемлема для современников Рембрандта, она во многом предвосхитила живопись XIX века.
«Менины» Веласкеса
Написанные в 1656 году, «Менины» — одна из самых знаменитых картин в мире. Искусствоведы и философы не устают ее анализировать с момента создания и до сих пор, а художники (в том числе современные) то и дело представляют свои вариации на тему «Менин».
Искусствовед Доусон Карр замечал в этой картине иллюзорность искусства и жизни в целом. Писатель Джон Манчип Уайт утверждал, что «Менины» стали своеобразным венцом жизни и творчества Веласкеса (это единственный автопортрет художника, на котором он изображен в роскошном дворце в окружении монарших особ). Мишель Фуко и вовсе посвятил этому произведению целую главу своего труда «Слова и вещи», обращая внимание на то, что в картине проявляются свободные от внешнего воздействия элементы.
Чем так поразили общественность «Менины», можно узнать из книги «Рубенс, Веласкес, Рембрандт. Гении эпохи барокко».
«Обнаженная, спускающаяся по лестнице» Марселя Дюшана
С первого взгляда на этой картине не увидишь ни обнаженной, ни лестницы. Если не понимать, что это абстрактная (очень абстрактная) фигура, а части ее тела – конические и сферические элементы, вложенные друг в друга. Таким образом, фигура как бы перетекает сама в себя. При этом нельзя сказать, что это человеческая фигура – четких указаний на это нет.
Интересно, что до того, как в 1912 году Дюшан представил «Обнаженную…» широкой публике, ее не признавали ни футуристы с кубистами, ни жюри. Для первых она не вписывалась в творческую концепцию, вторые говорили, что спускаться с лестницы обнаженная не может, потому что это «недостаточное проявление уважения к ней».
Тем не менее, все это не помешало «Обнаженной…» стать одним из известнейших произведений начала XX века и получить титул общепризнанной классики модернизма.
Естественно, шедевров, изменивших мир, после которых об искусстве уже нельзя было говорить на прежнем языке, гораздо больше. С их многообразием знакомят авторы проекта Continuum Art.
Кстати, здесь сейчас проходит акция «Революция в искусстве» — вы можете пополнить свою коллекцию интересной и полезной литературы новыми экземплярами с существенной скидкой.
Оставить комментарий